Las escalas cromaticas constan en la degradación de un color que se degrada a otro tono o color. Al ser mezclado un color con blanco o con negro este pierde su saturacion,su pureza. Asi cuando los colores se mezclan con blanco gana luminosidad y al contrario, cuando se mezclan con el negro la pierden. Los colores mezclados con negro,blanco u otros colores que pierden saturación son los llamados colores quebrados, pueden ser de dos tipos oscuros (sombras) o claros (brillos)
sábado, 26 de diciembre de 2009
TEORIA DEL COLOR
Había encontrado unos videos muy entretenidos y muy bien explicados en el youtube pero el blogger no me deja meterlos asi que aqui pondre los link para que podais meteros si quereis. Enserio están muy bien explicados y son entretenidos. =) EL COLOR http://www.youtube.com/watch?v=RDZRyS2kOzs&feature=related TEORIA DEL COLOR http://www.youtube.com/watch?v=ASNJlCKavK8 TEORIA DEL COLOR (MUY INTERESANTE) http://www.youtube.com/watch?v=HnqqW4PKpus&feature=related http://www.youtube.com/user/cusinale#p/a/u/2/cSBuplYX-JA ESCALAS CROMATICAS 
Las escalas cromaticas constan en la degradación de un color que se degrada a otro tono o color. Al ser mezclado un color con blanco o con negro este pierde su saturacion,su pureza. Asi cuando los colores se mezclan con blanco gana luminosidad y al contrario, cuando se mezclan con el negro la pierden. Los colores mezclados con negro,blanco u otros colores que pierden saturación son los llamados colores quebrados, pueden ser de dos tipos oscuros (sombras) o claros (brillos)
Las escalas cromaticas constan en la degradación de un color que se degrada a otro tono o color. Al ser mezclado un color con blanco o con negro este pierde su saturacion,su pureza. Asi cuando los colores se mezclan con blanco gana luminosidad y al contrario, cuando se mezclan con el negro la pierden. Los colores mezclados con negro,blanco u otros colores que pierden saturación son los llamados colores quebrados, pueden ser de dos tipos oscuros (sombras) o claros (brillos)
DINASTÍA Y DIVINIDAD. ARTE IFE
Real academia de bellas artes de San Fernando esta situada en la calle Alcalá número 13.
Del 18 de septiembre al 13 de diciembre estara la exposición temporal Dinastia y Divinidad: Arte Ife de la Antigua Nigeria, que ha sido traida a españa para su restauración.
La entrada es gratuita y podeis disfrutar de visitas guiadas los domingos de 11:30 a 12:30.
El arte ife se dio en la antigua Nigeria del siglo XII al XV.
La colección contaba con numerosas representaciones de rostros semejantes a la de la fotografía principal en diversos materiales. En todas los rasgos comunes eran que se trataban de personalidades importantes dentro de la tribu a la que pertenecian. Esto quedaba representado por el tocado, por los pliegues del cuello y por las tripas voluminosas en los que tenian ademas el cuerpo.
Cabe tambien destacar el uso que hacen de las texturas, asi en la cara muchas de ellas tenian lineas verticales en relieve, y representadas algunas escarificaciones y tatuajes.
Las figuras representadas de cuerpo entero, el canon utilizado es de cuatro cabezas, a diferencia del canon clásico.Con cuerpos mucho mas obalados y recortados.
Aparte de figuras humanas tambien podemos encontar representaciones de animales, como cocodrilos, monos o elefantes y utensilios.
TRABAJO DE AMARILLO Y AZUL ULTRAMAR
Este trabajo consistía en realizar un contraste de colores fríos, los colores que tienden mas al azul y nos crean una sensación de frialdad de ahí su nombre, y los colores mas calidos que son los que tienden al amarillos y se aproximan mas al espectador, y nos dan una sensación térmica de calidez.
LA CASA ENCENDIDA (INGROWTH)
THOMAS HIRSCHHORN
En esta exposición montada en La casa encendida de Madrid podiamos ver una enorme vitrina con doce maniquíes de mujeres desnudas, agujereadas y remendadas con cinta aislante. En su frente, palabras como paz y esperanza. Su larguísimo pelo negro se inserta a su derecha, y como si de tupidas cuerdas se tratara forma una especie de triangulo visual con unos pequeños personajes que parecen haber salido de un cómic manga. La vitrina está dividida en tres bloques; en cada uno de ellos, junto a los maniquíes hay bustos, o fotos. En el primero cuatro bustos enseñan sus entrañas; en el segundo, más bustos, aunque esta vez sin cabeza y vestidos con ropa deportiva; en el último, unas fotografías de cuerpos destrozados y mutilados, muertos con sintomas de violencia. La parte posterior de la vitrina está pintada de blanco y todos pisan un suelo cubierto de rojo. También hay cables, muchos cables, los mantienen conectados, unidos, interrelacionados y por todos sitios, la cinta aislante.
Cuando entré en la sala me produjo un gran sentimiento de angustia, de querer irme de ella, pero realmente las imagenes son tan impactantes, que tardas un rato en reaccionar y en quitartelas de la cabeza. Al ser una sale totalmente cerrada hacía que no pudieras pensar nada mas que en lo que estabas viendo, haciendo que miraras a todos lados con la misma sensación de espanto.
Por lo que pude leer en la exposición el significado de la obra son los cuerpos destruidos tanto de una forma fisica, como algo metafórico, una destrucción interna de nuestro propio ser.
El autor plantea este tema hablando de la Forma cuando hace referencia a la escultura. Una forma a través de la cual visualizar las cuestiones que le preocupan, es una forma de hablar de política, filosofía, de estética o incluso de amor.
BIOGRAFÍA
Thomas Hirschhorn (Berna, 1957)se forma como diseñador gráfico en la Schule für Gestaltung de Zurich y es en su traslado a París cuando comienza su carrera de artista. Su trabajo suele mostrarse al público en forma de instalaciones: densas, profusas e invasivas. Suele ser excesivas, demandando del espectador un tiempo y una implicación inusuales, además de un ejercicio intelectual en ocasiones algo complejo. Son piezas compuestas de objetos rutinarios , como la cinta aislante o adhesiva, papel, cartón, plástico o pancartas. A menudo desarrolla el artista su trabajo a través de proyectos públicos, entre los que destacan 24h Foucault (Palais de Tokyo, 2004), el monumento a Bataille (Documenta XI, 2002), el Musée Précaire Albinet (2004) y más recientemente The Bijlmer Spinoza-Festival (2009)
En esta exposición montada en La casa encendida de Madrid podiamos ver una enorme vitrina con doce maniquíes de mujeres desnudas, agujereadas y remendadas con cinta aislante. En su frente, palabras como paz y esperanza. Su larguísimo pelo negro se inserta a su derecha, y como si de tupidas cuerdas se tratara forma una especie de triangulo visual con unos pequeños personajes que parecen haber salido de un cómic manga. La vitrina está dividida en tres bloques; en cada uno de ellos, junto a los maniquíes hay bustos, o fotos. En el primero cuatro bustos enseñan sus entrañas; en el segundo, más bustos, aunque esta vez sin cabeza y vestidos con ropa deportiva; en el último, unas fotografías de cuerpos destrozados y mutilados, muertos con sintomas de violencia. La parte posterior de la vitrina está pintada de blanco y todos pisan un suelo cubierto de rojo. También hay cables, muchos cables, los mantienen conectados, unidos, interrelacionados y por todos sitios, la cinta aislante.
Cuando entré en la sala me produjo un gran sentimiento de angustia, de querer irme de ella, pero realmente las imagenes son tan impactantes, que tardas un rato en reaccionar y en quitartelas de la cabeza. Al ser una sale totalmente cerrada hacía que no pudieras pensar nada mas que en lo que estabas viendo, haciendo que miraras a todos lados con la misma sensación de espanto.
Por lo que pude leer en la exposición el significado de la obra son los cuerpos destruidos tanto de una forma fisica, como algo metafórico, una destrucción interna de nuestro propio ser.
El autor plantea este tema hablando de la Forma cuando hace referencia a la escultura. Una forma a través de la cual visualizar las cuestiones que le preocupan, es una forma de hablar de política, filosofía, de estética o incluso de amor.
BIOGRAFÍA
Thomas Hirschhorn (Berna, 1957)se forma como diseñador gráfico en la Schule für Gestaltung de Zurich y es en su traslado a París cuando comienza su carrera de artista. Su trabajo suele mostrarse al público en forma de instalaciones: densas, profusas e invasivas. Suele ser excesivas, demandando del espectador un tiempo y una implicación inusuales, además de un ejercicio intelectual en ocasiones algo complejo. Son piezas compuestas de objetos rutinarios , como la cinta aislante o adhesiva, papel, cartón, plástico o pancartas. A menudo desarrolla el artista su trabajo a través de proyectos públicos, entre los que destacan 24h Foucault (Palais de Tokyo, 2004), el monumento a Bataille (Documenta XI, 2002), el Musée Précaire Albinet (2004) y más recientemente The Bijlmer Spinoza-Festival (2009)
LA FORMACIÓN DEL BLANCO Y EL NEGRO
El color en cualquier objeto depende de la cantidad de luz que le llegue a este en forma de radiaciones y la cantidad de estas que el objeto absorbe y proyecta al exterior cambiando así de diferentes tonos.
Antes de la teoría de Isaac Newton, se creía que los colores procedían de los objetos, pero este comprobó que no era así, sino que dependiendo de la luz que incidiera en el objeto, y de la luz que absorbiera y proyectara su color cambiaba.
Para comprobar esto Newton realizo un experimento dejando pasar por un prisma un haz de luz y comprobando que los colores formaban parte de la luz, ya que esta se podía descomponer en ellos.
Como el color de los objetos es la cantidad de luz que les llega, cuando hay poca luz vemos en negro y blanco.En la sintesis aditiva (superposión de los colores luz)el color blanco se forma por la superposición de todos los colores, mientras que el negro es la ausencia de color. En la sintesis sustractiva (mezcla de los pigmentos) el blanco solo se obtiene con la ausencia de color, mientras que el negro es el resultado de la superposición de los colores cyan, magenta y amarillo.
jueves, 24 de diciembre de 2009
CORDOBA
El viaje a Córdoba la verdad es que estubo realmente bien, la gente era muy amable y sobre todo que es de lo que quiero hablar es de las exposiciones realizadas en los patios cordobeses. Una serie de exposiciones realizadas en los antiguos patios cordobeses típicos la cual se denomino "EL PATIO DE MI CASA".
Una de las exposicones que cabe destacar es el de postales andaluzas, realizada por Rafael Señán González un fotógrafo procedente de Granada, que pretendía mostrarnos una visión de la Andalucía de finales del siglo XIX.
Bellas fotografias que nos hacen volver a la Andalucía del momento, con una gran calidad.
En la exposición podíamos ver desde fotografías de Sevilla (La torre del Oro), (La giralda) hasta fotografías costumbristas de la época, gente cantando en la calle, una boda ect..
La verdad es que me sorprendio bastante la gran calidad de las fotografías y como al observarlas te sentías en otro tiempo.
Con esta muestra la Fundación CajaSur ha querido dar valor al trabajo fotográfico de Rafael, restaurando,digitalizando y catalogando fotografías realizadas por el propio artista a finales del siglo XIX y principios del XX.
miércoles, 23 de diciembre de 2009
CARTAS A THEO (VINCENT VAN GOGH)
Este libro nos proporciona todas las claves o la mayoria de ellas de la vida y la obra de Van Gogh a través de una selección de cartas que el propio Vincent escribió a su hermano Theo. Se trata sobre todo de una auto-biografía espiritual y artística de un genio de la pintura como llegó y es hoy en día Vincent Van Gogh. Un genio que vivió siempre en un estado precario, entre la locura y la miseria, pero que gracias a su obra se encuentra hoy en el cenit de la gloria.
Desde 1872 hasta 1890, año de su muerte, Van Gogh escribió mas de ochocientas cartas, casi todas dirigidas a su hermano Theo. En todas ellas hay una melancolia, una busqueda continua de algo que para Van Gogh al principio era desconocido, y era el arte de la pintura. Es una gran biografía artistica y psicologica del autor en la que nos enseña como mirar un cuadro, al mismo tiempo que nos muestra su alma en todas las cartas, con sus ideas e ilusiones. De alguien que se definió a sí mismo como un ser " con una hoguera en el pecho a la que nunca se acerca nadie a calentarse". Un hombre trabajador, incansable, que en diez años produjo ochocientos setenta y nueve cuadros, mil setecientos cincuenta y seis dibujos y ochocientas veintiuna cartas: Deja en nosotros una obra plástica y literaria que nos da la clave completa de su vida y su obra. De un hombre que vendio un cuadro en toda su vida y que vivía de lo que la gente le daba podemos aprender el verdadero concepto del arte la verdadera esencia de ser un artista.
Aqui os dejo una carte escrita por el propio Van Gogh para su hermano, ilustrada como no con un boceto de este mismo.
VIAJE AL MUSAC
El viaje al Musac fue un viaje soprendente, ya que no me esperaba nada parecido a lo que ví. Nunca antes había visto un museo que se integrara tanto en la cultura artística de una ciudad, ya que por lo que nos estubieron explicando todos los colores de la fachada del edificio hacian referencia a las vidrieras de colores de la catedral gótica de León, por cierto maravillo tambien, con sus 3 naves y de un estilo sobrio pero a la vez fuerte y que producía mucha calma al entrar en ella.
Una de las exposiciones que mas me gusto fue la de Jorge Galindo llamada "LA PINTURA Y LA FURIA".
Jorge, realiza una investigación utópica desde el lienzo que tantos y tantos artistas han buscado durante siglos.
El trabajo de Jorge Galindo ha sido siempre una asunción de este hecho. Desde la más dura abstracción gestual al gigantismo de la firguración de la sociedad de consumo urbana, el artista ha desarrollado una producción en la que ha llegado a abordar el hecho pictórico con una actitud de absoluto enfrentamiento, a través de su propia rabia, obsesión por escabar en la pintura y lo pictórico.
BODEGON DE OCRES
Este bodegón consistía en ser realizado con ocre,blanco y negro, creando una gama de ocres que diera volumen a la composicion, como se puede ver el bodegón esta sin acabar , pero volvere a subirlo otra vez cuando este totalmente terminado.
sábado, 19 de diciembre de 2009
FRANJAS TONALES CON CYAN,MAGENTA Y AMARILLO
En el trabajo siguiente como se puede ver es el mismo procedimiento utilizado en las franjas de grises; realizar en este caso 21 franjas mezclando los tres primarios (azul cyan, magenta y amarillo cadmio) con blanco y negro, siguiendo la progresión desde el blanco, hasta el negro y dejando un espacio en blanco entre cada franja ya que debía ser presentado en tamaño 100x70.
FRANJAS TONALES DE GRISES
DERECHA
El trabajo de las franjas tonales consistía en realizar 12 franjas entre los colores blanco y negro, creando así una escala de grises.Se dibujaban las franjas en papel de acuarela y después se recortaban para ser pegadas al final en un soporte 50x70, los colores eran colocados en progresión del blanco al negro dejando un espacio entre ellos en blanco.
IZQUIERDA
Este trabajo era una idea parecida a la del principio pero consistía en que se pudiera ver el mayor número de tonos posible, de ahí su aplicación utilizando una jeringuilla para ir construyendo la franja de forma mas rapida y continua.
domingo, 13 de diciembre de 2009
BODEGON BLANCO Y NEGRO
Este trabajo me parecio muy interesante para empezar con el acrilico, ya que en el se pueden comprobar perfectamente las luces y las sombras. Este trabajo no me salio bien ya que se debia realizar por planos, asi que pronto subire el trabajo definitivo de blancos y negros.
SEGUNDO TRABAJO DE BLANCO Y NEGROS:
Creo que este segundo trabajo me quedo mucho mejor, ya que al haber pasado mas tiempo y haber realizado otros trabajos a la técnica del acrilico he cogido mucha mas práctica y he dejado ver mi pincelada y mi toque.Para mi entender este trabajo quedo bastante bien sobre todo por los medio tonos de grises y la perspectiva que al final cree.
En definitiva me gusto mucho este trabajo, ya que los trabajos en blanco y negro te dejan ver muy bien las gamas tonales de grises que puede tener una fotografia como es en este caso mi dibujo.
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